Qui est Nduka Ikechukwu, le jeune artiste nigérian qui sera exposé en duo avec Céleur ?

Nduka Ikechukwu puise son inspiration dans son environnement et son identité, en particulier dans la riche culture de son peuple Igbo, qu’il traduit en une expression artistique profonde et vibrante.

Il a accordé un entretien à Fredrick Favour pour Art report Africa.

Art Report Africa : Parlez-nous de vous et de votre art. Quand votre passion pour l’art a-t-elle commencé ? Avez-vous des souvenirs d’enfance ou des expériences qui ont façonné votre créativité ?

Nduka Ikechukwu Michael : En tant que jeune élève à l’école primaire, j’avais un large éventail de professions que je souhaitais suivre, mais devenir artiste ne m’avait jamais traversé l’esprit. Cependant, ma passion pour le travail créatif a germé pendant mes études secondaires. Au début, je dessinais des personnages comiques sur papier, puis je suis passé au dessin pour mes camarades de classe, principalement en lien avec les devoirs. Je considérais cela comme un simple talent et une passion, jusqu’à ce que mon professeur m’encourage à rejoindre un cours d’art. J’ai tout aimé : l’approche, le développement et les principes fondamentaux des études artistiques créatives.

Vous n’êtes pas seulement un artiste, mais également un diplômé en beaux-arts. Pouvez-vous nous parler de votre parcours, depuis vos études universitaires jusqu’à devenir l’artiste que vous êtes aujourd’hui ? Quels ont été les enseignements les plus marquants de votre passage à l’Université du Nigeria, Nsukka (UNN) ?

Ce n’était pas une tâche facile d’entrer à l’université pour étudier les beaux-arts. Ma famille n’était pas satisfaite de l’idée ; ils hésitaient et étaient indifférents à ce que j’étudie l’art, car ils n’ont jamais vu de valeur ou de substance dans ce domaine. Bien qu’ils n’aient pas compris, j’ai persévéré. Pendant mon séjour à l’Université du Nigeria à Nsukka, j’ai littéralement exploré diverses formes d’art, de la peinture à la sculpture, en passant par la céramique – j’étais partout. Fondamentalement, l’Université du Nigeria, Nsukka (UNN) m’a fourni une base de connaissances pour ma pratique, que j’ai complétée par mon exploration de la performance..

Il existe une énorme disparité entre l’étude de l’art et sa pratique. L’éducation formelle peut seulement inculquer les connaissances nécessaires pour débuter en tant qu’artiste professionnel. Cependant, la pratique active de l’art repose sur vos expériences personnelles, ainsi que sur la fréquence à laquelle vous explorez, expérimentez et créez des œuvres qui résonnent avec votre vision créative. Après l’université, la plupart de mes collègues craignaient de poursuivre leur passion pour la pratique artistique en tant que profession, en partie à cause des contraintes financières, mais aussi par peur de ne pas être acceptés. Ils avaient l’impression qu’ils n’étaient pas encore prêts à s’intégrer dans le milieu artistique, notamment en raison de leur scepticisme quant à la manière dont leurs œuvres allaient être perçues. Sur le plan financier, la pratique artistique nécessite de nombreuses ressources. Compte tenu de la structure sociétale et de l’environnement peu favorable aux artistes, des artistes émergents comme moi sont souvent amenés à envisager d’autres moyens de subvenir à leurs besoins.

L’UNN m’a également permis de nouer des relations qui ont été déterminantes pour mon changement de carrière, me conduisant là où je suis actuellement en tant qu’artiste. En mars 2023, j’ai commencé une résidence à Ụlọ Nka Space, un lieu appartenant à un ancien collègue de mes années universitaires.

Votre travail s’inspire fortement de votre héritage Igbo. Comment votre identité tribale influence-t-elle votre expression artistique, et comment évolue-t-elle avec votre perspective changeante ?

Pour moi, l’art et le patrimoine sont inséparables, c’est pourquoi je considère mon art comme une extension de mon héritage. En tant qu’homme Igbo de l’État d’Anambra, notre culture et nos pratiques traditionnelles, transmises de génération en génération, ont survécu au fil du temps et perdureront encore longtemps. Nous sommes particulièrement connus pour notre tradition commerciale, et une fois qu’une personne de la communauté s’est établie dans son métier, il est attendu qu’elle élève et encadre un autre jeune dans le même domaine, perpétuant ainsi le cycle. Mon expression artistique s’inspire de mon environnement, de ma tribu, de mon identité et des idéologies Igbo telles que l’Ogbuefi (titre décerné à un homme capable d’acheter une vache), l’Akụluonọ (ramener la richesse à la maison) et l’ịgba boi (le système d’apprentissage Igbo). Dans chaque œuvre, j’explore ces concepts sous diverses formes, en utilisant des ceintures à sangle dans des compositions colorées. L’une de mes œuvres, qui intègre des ceintures tissées en forme de fleur avec des semis en pleine floraison, représente les jeunes de la culture Igbo qui sont élevés par des personnalités expérimentées et établies dans différents métiers, avec le potentiel de s’épanouir et de devenir eux-mêmes des figures indépendantes et prospères. Ainsi, à travers chacune de mes expressions artistiques, je recrée une perspective et transmets un message clair, toutes ces expressions étant pour moi étroitement liées.

Vous avez choisi un médium distinctif – les ceintures à sangle – pour explorer des thèmes complexes. Qu’est-ce qui vous a conduit à utiliser ce matériau unique, et comment met-il au défi ou enrichit-il votre message ?

En grandissant, j’ai été témoin de l’utilisation quotidienne de ceintures de sangle pour le bétail, la récupération d’eau et diverses autres tâches. Leur polyvalence et leur importance culturelle ont profondément résonné en moi. Je les voyais comme un héritage imprégné d’un potentiel d’expression créative. Elles servent de pont entre mon art, mon message et mon héritage, incarnant les thèmes de « Ogbuefi », « Akụluonọ » et « ịgba boi ». Car, lorsque tout est dit et fait, la fine ligne d’engagement et de croissance nous ramène toujours à nos origines, non seulement pour soutenir, mais aussi pour élever les autres afin qu’ils deviennent de mieux en mieux. Cognitivement, être capable de transformer la ceinture de sangle en un chef-d’œuvre tricoté coloré met ma créativité à l’épreuve.

Guidez-nous tout au long de votre processus créatif. De l’inspiration initiale au chef-d’œuvre achevé, comment les idées prennent-elles vie dans votre univers ?

Les idées me viennent, peu importe où je suis et à tout moment. Une fois que j’ai trouvé une muse, je fais un croquis et j’écris l’inspiration qui accompagne l’idée. Ensuite, je réfléchis aux formes, aux matériaux et aux couleurs. Dans mon processus, j’expérimente et deviens créatif tout au long de ma création. Souvent, la pièce finale transcende le concept initial, devenant plus riche et percutante.

Y a-t-il des artistes qui ont inspiré votre parcours et vos processus artistiques jusqu’à présent ?

Oui, quelques-uns d’entre eux. El Anatsui a été mon modèle pendant mes années d’école. Il était pratiquement le personnage principal qui a été mis en avant dans divers niveaux de pratiques artistiques. Eva Obodo a également eu une grande influence sur ma pratique. Je me suis beaucoup inspiré de lui, et le voir pratiquer l’art de manière professionnelle tout en équilibrant ses engagements universitaires, sans compromettre l’un pour l’autre, illustre la discipline et l’exceptionnalité. Il en va de même pour Sabastine Ugwoke et Ozioma Onuzulike. Les voir naviguer à la fois dans l’enseignement et la pratique professionnelle, chaque domaine étant lourdement chargé, me fait me demander comment ils peuvent jongler avec les deux sans se briser. En tant que conférenciers, ils n’ont jamais manqué un cours, mais ils ont réussi à s’impliquer pleinement dans leur pratique. Après l’école, Samuel Nnorom est devenu mon mentor. C’est grâce à lui que j’ai pu m’adapter à la réalité de la pratique artistique professionnelle, que j’ai appris à utiliser les couleurs non seulement comme un élément esthétique, mais aussi comme un langage, qui guide mes explorations et expressions actuelles. Je suis toujours sous son aile, j’apprends davantage et je deviens un meilleur artiste.

Où voyez-vous votre art et ses thèmes évoluer dans les prochaines années ?

Dans les prochaines années, je souhaite explorer l’art de manière plus professionnelle que je ne le fais déjà. Je veux assister à des expositions internationales, présenter mes œuvres dans des galeries réputées, participer à des résidences artistiques, exposer lors d’événements internationaux et participer à des expositions institutionnelles. Je m’imagine également retourner à la base pour sensibiliser et changer les stéréotypes de la société sur l’art en tant que carrière professionnelle grâce à une diffusion appropriée de l’information.

Si vous pouviez collaborer avec n’importe quel artiste ou travailler sur n’importe quel projet, quel serait-il et pourquoi ?

Je n’ai pas d’artiste précis en tête, car je suis flexible et ouvert à des collaborations enrichissantes sans aucune couche de sentiments ou de juridiction. Cependant, pour un projet, j’aimerais travailler sur ma première exposition personnelle, qui suscitera un dialogue sur les thèmes particuliers que mon art explore. Personnellement et par expérience, il est certain de dire que la structure sociétale, la propagation des idées et les valeurs actuelles constituent une menace pour les modèles moraux et acceptables de notre héritage, en mettant l’accent sur l’importance de l’apprentissage Igbo. Les valeurs sociétales d’aujourd’hui menacent cet héritage, les jeunes optant pour des gains rapides plutôt que d’apprendre un métier. De plus, certaines personnalités établies exploitent les apprentis plutôt que de tenir leur engagement à les rendre indépendants. J’espère avoir une exposition dont le message sera entièrement axé sur l’expression des divers changements négatifs qui ont affecté le phénomène culturel et traditionnel qui nous est cher, et pour nous rappeler l’importance du patrimoine culturel et du mentorat responsable.